Miércoles, 27 de Julio de 2005 - Crítica de El día de mañana.

l día de mañana ("The Day After Tomorrow", 2004) es una película que me ha sorprendido gratamente, no porque se trate de un film extraordinario, sino porque se ha elevado muy por encima de las bajas expectativas que abrigaba sobre ella. Su director, Roland Emmerich, que además coguioniza el film, es autor de grandes producciones comerciales de género fantástico y ciencia ficción, algunas, taquillazos de renombre, como "Independence Day" o "Godzilla", otras, rodadas para su sobreexplotación en vídeo, como "Stargate" (1996). Mi satisfacción proviene más de algunos detalles de la película que de su planteamiento general. Hay que alabar, desde luego, la temática de la historia, que se sostiene en una ligera crítica a las imprevisibles consecuencias del cambio climático y, en un segundo plano, de la inaceptable situación de los países subdesarrollados. Como era de esperar, el film no se preocupa de desarrollar dicha crítica, y nos sitúa en el momento en el que la catástrofe está a punto de consumarse. Antes incluso de llegar a estrenarse en España, donde ha cosechado un éxito muy relativo, la película ya animaba las críticas en su contra por su escaso rigor científico: en efecto, aún con los escasos conocimientos objetivos que tenemos sobre el fenómeno, resulta inimaginable que pueda tener tales consecuencias en un periodo tan corto de tiempo. El contraargumento es bien sencillo: cualquier exageración es disculpable si con ello se logra inspirar a dormidas conciencias, más aún tratándose de una historia que ha de adaptarse a los rigores del género al que por lógica pertenece. La larga mano de los hombres de negocios y las decisiones de despacho son advertibles fácilmente en "El día de mañana", se revelan en la elección de un grupo de colegiales (público juvenil, siempre sustancioso a efectos comerciales) y de una familia (público adulto) para protagonizar la acción. Los impresionantes efectos especiales creados por Industrial Light & Magic predominan en la primera parte del film, surtida de violentos encontronazos, algunos muy sorprendentes y conseguidos, de los incautos ciudadanos con las fuerzas de la naturaleza, mientras que el científico interpretado por Dennis Quaid nos radia al paso la escalada de los acontecimientos. En la segunda parte del film, muy diferente, este mismo personaje, como no podía ser de otro modo, se reconvierte en hombre de acción para, en nevada y kilométrica odisea, cumplir la promesa de ir en auxilio de su hijo, en lo que supone una mala solución para el guión, ya que no se alcanza a comprender el objetivo práctico de este heroico viaje. Creo que no vale la pena insistir más en los errores del guión, que más que errores son vicios, bien conocidos por todos, del cine comercial americano. Las situaciones ilógicas, poco creíbles o improbables, disminuyen la autenticidad de los acontecimientos, pero agilizan la narración. La sensiblería, los convencionalismos, el ensalzamiento de los valores tradicionales, el retrato complaciente de un mundo dividido en ganadores y perdedores, son otros de estos vicios, no menos inofensivos. Si entramos en las consideraciones positivas, hay que reconocer primero, como a todo buen artesano americano, la calidad de la planificación, que es perfecta salvo por unos mínimos errores de timing. La repetición, casi plano por plano, de algunas espectaculares y recordadas escenas de anteriores películas del realizador, no empaña la creatividad en la concepción estética del mundo apocalíptico al que, si bien irregularmente, se nos traslada. Este nuevo mundo de la edad de hielo nos recuerda a una especie de Rusia siberiana que integra además las vestimentas y hasta las actitudes de los personajes. El nuevo estado de cosas que emerge impone además sus reglas, como convenientemente se nos muestra en la escena en que los jóvenes han de sobrevivir a unos lobos para acceder a los víveres de un barco que, sorpresivamente, ha encallado en el mismo centro de Manhattan. Otros tramos del film están expuestos en un cierto tono que mezcla ironía con resonancias bíblicas, especialmente las imágenes que muestran el éxodo de los estadounidenses a México. El movimiento espectral de los fenómenos atmosféricos y de la formación del hielo parece felizmente sacado de una película de terror. En fin, una mala película que guarda alguna preciosa sorpresa. (Por: Hamm)

Martes, 26 de Julio de 2005 - Crítica de Buenos Aires Vice Versa.

uenos Aires Viceversa" ("Buenos Aires Vice Versa"), película dirigida y guionizada en 1996 por Alejandro Agresti ("Una noche con Sabrina Love", "El viento se llevó lo que"), pretende ser un retrato poliédrico y vivo de la capital de Argentina, y también una obra coral compuesta por una serie de historias entrecruzadas sobre sus anónimos habitantes. La película pivota sobre el personaje de Daniela (Vera Fogwill), una inquieta joven, traumatizada en temprana edad por la muerte de sus padres, a la que se le encarga, por extraños motivos, la grabación de imágenes sobre la ciudad. Los resultados de esta filmación acompañan y se confunden, en parte, con las de la propia película, en un curioso juego que quizá logra encubrir el uso desmañado de la steadycam, que es general en el film. El retrato de una serie de personajes, a cada cual más neurótico y pintoresco, descritos con brocha gorda a través de sus acciones y conversaciones, nos habla de la soledad y la fugacidad de las relaciones. En una ciudad superpoblada, además, las posibilidades son infinitas, sobre todo para los que guardan perversas intenciones, como se nos advierte en una de las mejores historias del film. En otro orden de cosas, una película que como esta, contenga una diversidad de relatos, exige que nos concentremos en ciertas consideraciones especiales acerca de la estructura del film. Por ejemplo, estaríamos de acuerdo en exigir cierta coherencia temática (como en "Traffic", si no la continuidad narrativa entre historias, como en "Pulp Fiction"), una cuestión que implique a todo lo narrado. En este film, nisiquiera la ciudad de Buenos Aires es el elemento unificador: la preocupación por las situaciones cómicas, normalmente visuales, muchas veces fáciles y hasta de mal gusto, y la preocupación también por una burda comprensión psicoanalítica de sus personajes es tal, que estos y aquellas podrían darse en cualquier ciudad del mundo, salvo, tal vez, por la idiosincrasia de sus gentes y su peculiar lenguaje. A falta de una línea temática que recorra la película, se podría exigir que las historias confluyesen de algún modo, adquiriendo el todo un nuevo sentido (por ejemplo "21 gramos", entre muchas), lo que no parece importar aquí, ya que los personajes coinciden sin mayores consecuencias. Una última posibilidad exige al menos una buena planificación del rodaje y el montaje, para construir una película sobre un hilo dramático de creciente intensidad: en Buenos Aires Viceversa las secuencias de las historias se solapan, las mismas historias son asimétricas en cuanto a tiempos, no están construidas consistentemente, tampoco están aisladas de las demás de algún modo. Por todo ello, se acaba formando un revoltijo que hubiera sido fácilmente evitable. Además todas ellas están expuestas en un tono de tal banalidad y la sustancia cómica domina de tal modo el film, que nada de lo que ocurre parece importar especialmente y el golpe dramático final resulta estar fuera de todo lugar. Volviendo al análisis general del film, hay que destacar como una de sus virtudes las vívidas localizaciones interiores y exteriores, lugares donde se siente la presencia del hombre, y, especialmente, las suburbiales. La colocación de la cámara nos ofrece algunos aciertos: como en las escenas en que se nos desplaza a la calle para asistir como invitados o fisgones a los acontecimientos. Finalmente, las deficiencias del sonido y la peculiaridad de la variedad argentina del español, para aquellos que no la dominen, dificultan muy seriamente la inteligibilidad de los diálogos, haciendo recomendable su subtitulado. (Por: Hamm)

Domingo, 24 de Julio de 2005 - Crítica de Te doy mis ojos.

e doy mis ojos es la sexta película como realizadora de Icíar Bollain, artista comprometida socialmente y curtida desde niña en trabajos con grandes nombres en el cine de autor europeo. Su compromiso es el de la fascinación por como nos comportamos, por eso en sus films impera, más que el discurso sobre lo social, la realidad social misma, más descrita que explicada. Precisamente en un título como este, sobre el maltrato machista, es donde una directora, en femenino, puede dejarse llevar con más facilidad por los lugares comunes y acabar en un retrato maniqueo. Claro que en esta película hay discurso, se toma una posición, en primer lugar por que en el arte es un camino inevitable, y en segundo lugar porque otra cosa sería inimaginable en una artista comprometida con su tiempo y su condición de mujer. Pero la profundidad psicológica de los personajes, la indudable calidad de su actuación y la franqueza y el trabajo que se observa en el guión, nos introducen en una comprensión de los carácteres y las situaciones que se aleja de sentimentalismos y de la búsqueda de culpables absolutos. Esta es sobre todo una película de personajes y de actores, pero en su dirección se manifiesta la impronta de la realizadora, que sabe jugar con la posición de la cámara y los elementos escenográficos para encerrar y empequeñecer a sus personajes, y luego liberarles temporalmente a la espera de una nueva prisión. En este contexto, nos encontramos con dos seres solitarios e incompletos que se buscan y unen en la pasión del sexo, dos seres corrientes a los que nadie puede entender salvo ellos mismos, profundamente humanos. En su soledad, la solución de sus problemas sólo puede proceder de un acto de decisión personal, porque a los demás les está vedado conocer la verdad de su realidad. La linealidad y sencillez de la historia impide conocer otras circunstancias que seguro se imponen en la vida de los personajes, pero poco importa esto si, como es el caso, lo poco que se explore contiene tanta verdad. El realismo de las situaciones dramáticas, siempre muy contenido, se complementa con el filmado en tono documental del grupo de terapia a donde acude el maltratador Antonio (Luis Tosar), repitiendo Bollaín, con menos éxito sin embargo, la fórmula que aprendió de su mentor Ken Loach. El lugar donde se desarrolla la acción, la ciudad de Toledo, se cuela como por casualidad en los planos, sin dominarlos, en un ejercicio correcto pocas veces visto en el cine español (pienso sobre todo en la muy equivocada "Octavia" de Martín Patino). En un film como este la calidad de los actores es fundamental: Luis Tosar cumple en las escenas dramáticas y su actuación despide humanidad por los cuatro costados, pero sus miradas transmiten poco al espectador; Laia Marull es una gran elección para el personaje, aunque se observa en ella cierta indeterminación, sobre todo en la expresión gestual; Candela Peña está muy bien, natural, en su papel de siempre; y Rosa María Sardá mejora cuando se desembaraza de su ya aburrido histrionismo, en papeles, como este, más tranquilos. En fin, un film emotivo y profundamente realista, que cumple su función y nos promete mejores trabajos de su realizadora, una vez que esta se comprometa en propuestas más creativas cinematográficamente hablando, y pierda la fobia a los primeros planos que parece perseguirla. (Por: Hamm)